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Oh Cello, you comfort my soul!
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Music Theory

My Favorite Cellist

Tonya Tingting Gao

Tonya has been studied cello since she was five ages old with cellist Nichol Johnson. She also had lessons with Hans Jørgen Jensen

Some photos

Some performances

§ 2006, Renaissance Music Academy Chamber Music Orchestra,

§ May 2004

§ October, 2005

Jacqueline du Pré

Jacqueline du Pré is arguably the greatest talent to ever play the cello. She combined mind, heart, body and soul to produce the most expressive tones ever

to emanate from the instrument. Shy and at the same time bold, she was not only expressive, but played with precision, fullness and purity of tone.

She was born in Oxford on January 26, 1945 into a middle-class family in which music was important: her mother was a fine pianist and a gifted teacher.

The French-sounding name came from her father's Channel Island ancestry. Just before her fifth birthday, when she was already showing musical promise,

she heard the sound of a cello on the radio and the course of her life was set. At ten years old Jacqueline du Pré studied under William Pleeth.

She then studied with Casals, Tortelier and Rostropovich. In 1965 she recorded the Elgar Concerto with Sir John Barbirolli and the London Symphony

Orchestra, a recording which established her stardom. Her unselfishness made her a brilliant chamber music player, collaborating with many of today's

greatest names in music. Her friendship with Daniel Barenboim, Itzhak Perlman, Zubin Mehta and Pinchas Zuckerman, led to the famous film by Christopher

Nupen of their Schubert "Trout" Quintet.

In 1967 she married pianist Daniel Barenboim. TIME magazine wrote, "Thus began one of the most remarkable relationships, personal as well as professional,

that music has known since the days of Clara and Robert Schumann." Their marriage led to some fruitful collaboration, evidenced in many recordings

with Barenboim as pianist or conductor.

She could not pinpoint the time when she started losing feeling in her fingers, and her arms, as she said, felt like lead. By the fall of 1973 she was diagnosed with multiple sclerosis. She continued to teach on occasion, but the deterioration of her health gained momentum and finally, on October 19, 1987, she died at the age of forty-two. Jacqueline du Pré left us a wonderful legacy of recordings, although certainly not nearly enough for any of us, her admirers.

Too often the same recording seems to be recompiled into new collections (ie., there are at least 4 cd /sets which have the Dvorak and Elgar concertos),

which only points out our yearning for more. Who wouldn't like to hear her play the Brahms Double Concerto, the Beethoven Triple, or the Tchaikowsky

Rococo Variations? The list can go on and on, but I am grateful for what we do have. Perhaps someday other vaulted tapes will be transferred to CD,

other films to DVD, to reveal a little more of this genius that was Jacqueline du Pré.

凄婉绝美的大提琴曲《殇》 mp3

§ Elgar Cello Concerto

§ Offenbach - Les larmes de Jacqueline

§ http://www.youtube.com/watch?v=PToFY-Upaw0&feature=related

§ Elgar Cello Concerto 1st mov.

§ Elgar Cello Concerto 3rd mov.

§ Elgar Cello Concerto 4th mov. - part 1

Yo Yo Ma

"...with Ma, the cello found its accessible hero: an artist possessing tremendous technical brilliance and musicality." Los Angeles Times, February 1996

YO-YO MA Cellist The many-faceted career of cellist Yo-Yo Ma is testament to his continual search for new ways to communicate with audiences, and to his personal desire for artistic growth and renewal. Whether performing a new concerto, revisiting a familiar work from the cello repertoire, coming together with colleagues for chamber music or exploring cultures and musical forms outside of the Western classical tradition, Mr. Ma strives to find connections that stimulate the imagination.

Yo-Yo Ma maintains a balance between his engagements as soloist with orchestras throughout the world and his recital and chamber music activities. He draws inspiration from a wide circle of collaborators, each fueled by the artists’ interactions. One of Mr. Ma’s goals is the exploration of music as a means of communication, and as a vehicle for the migrations of ideas, across a range of cultures throughout the world.

Taking this interest even further, Mr. Ma established the Silk Road Project to promote the study of the cultural, artistic and intellectual traditions along the ancient Silk Road trade route that stretched from the Mediterranean Sea to the Pacific Ocean. By examining the flow of ideas throughout this vast area, the Project seeks to illuminate the heritages of the Silk Road countries and identify the voices that represent these traditions today. The Silk Road Project acts as an umbrella organization and common resource for a range of cultural and educational programs, participating in more than a dozen festivals, including the Smithsonian Folklife Festival in 2002. To learn more, visit the Silk Road Project website at www.silkroadproject.org.

Mr. Ma is an exclusive Sony Classical artist, and his discography of over 50 albums (including 14 Grammy award winners) reflects his wide-ranging interests. In addition to the standard concerto repertoire, Mr. Ma has recorded many of the large body of works that he has commissioned or premiered. He has also made several successful recordings that defy categorization, among them “Hush” with Bobby McFerrin, “Appalachia Waltz” and Grammy-winner “Appalachian Journey” with Mark O’Connor and Edgar Meyer, and “Piazzolla: Soul of the Tango.” Mr. Ma’s most recent Sony Classical releases include “Silk Road Journeys: When Strangers Meet,” “Yo-Yo Ma Plays the Music of John Williams,” and “Classic Yo-Yo.” Across the full range of releases Mr. Ma remains one of the best-selling recording artists in the classical field.

Yo-Yo Ma is strongly committed to educational programs that not only bring young audiences into contact with music but also allow them to participate in its creation. While touring, he takes time whenever possible to conduct master classes as well as more informal programs for students—musicians and non-musicians alike.

Yo-Yo Ma was born in 1955 to Chinese parents living in Paris. He began to study the cello with his father at age 4 and soon came with his family to New York, where he spent most of his formative years. Later, his principal teacher was Leonard Rose at the Juilliard School. He sought out a traditional liberal arts education to expand upon his conservatory training, graduating from Harvard University in 1976. Mr. Ma and his wife have two children.

He plays two instruments, a 1733 Montagnana cello from Venice and the 1712 Davidoff Stradivarius.

Yo-Yo Ma’s performances:

§ A. Dvorak- Silent woods (Yo-Yo Ma)

§ Dvorak - Slavonic dance No. 2 in E minor op. 72 (Ma :cello, Itzhak Perlman: violin, Seiji Ozawa: Conductor)

http://www.celloclassics.com/

Tedeschi Elegia Op.22

Duos for Two Cellos

The works chosen for this recording take us from the baroque and classical era right through to the 20th century, showing the varied range of music composed for this unusual combination. All but two of the works were composed by great cellists. Giacobbe Cervetto, Franz Danzi and Julius Klengel were all famous players, earning their living either as soloists or in the court or theatre orchestras in the major cities throughout Europe. Jacques Offenbach, too, started his musical life as a working cellist, touring as a virtuoso soloist, though he eventually made his name composing, rather than playing.

Due to the fact that these cellists were primarily players rather than composers the pieces have often been overlooked, being regarded perhaps as more for study rather than containing any serious musical content. Offenbach’s Marcia con Variazioni Op. 52 forms part of his ‘Cours méthodique de duos pour deux violoncelles’ Op. 49-54. They were obviously intended to be used as tutors yet they are far from being merely didactic – these works were written for cellists to emphasise the joy of learning the craft of their instrument. Giacobbe Cervetto composed many works for the cello and his style of composition belongs to the period between baroque and classical. Although most of the Sonata in G minor sounds like a solo sonata with basso continuo, it does give both cellists equal opportunities and at times becomes real duo writing. Danzi followed the popular practice of his day by arranging Mozart arias, presumably for himself and his contemporaries to have some fun – and to satisfy the commercial demand for arrangements of popular music. His duos also contain equal voicing between the two players and include much double stopping. The use of clefs was an interesting issue at this time. The range of the cello is very large and as the techniques of the players meant that the upper registers of the cello were beginning to be used, in order to limit the use of leger lines in the bass and treble clefs, the high music was often written in the treble clef an octave higher than it was intended to be played. The Danzi arrangements (reproduced overleaf) have been written in this way. Although this practice continued into the 19th century, Luigi Boccherini (1743-1805) and later the great solo cellist Bernard Romberg (1767- 1841) were to simplify the use of clefs within their own compositions and restricted the use to just three – bass, treble and tenor. Julius Klengel, a great performer, wrote many works for the cello including ensemble pieces for two or more cellos and also the Hymnus for 12. 22 The two exceptions to the composer/player combination on this recording are Reinhold Glière and Paul Hindemith. Hindemith, however, had a personal reason for writing his attractive work – his wife, Gertrud, was an amateur cellist. Glière is the only composer who had no apparent obvious reason to write for this combination but, it must be acknowledged, produced works of great beauty and imagination.

GIACOBBE BASSEVI CERVETTO (c.1682-1783) was born in Italy of Jewish parents but lived in England for most of his life. He first came to England as a dealer in Italian instruments and a player but, finding the former occupation not very remunerative, he devoted himself entirely to playing. Burney has stated that he was instrumental, along with fellow cellists Caporale, Pasqualini and Abaco, in introducing the cello as a solo instrument to England. For many years, as well as playing in London subscription concerts, he was solo cellist in the orchestra at the Drury Lane Theatre, at the time that Garrick was impressing audiences of the day. He eventually became the manager of that theatre, thereby amassing a great personal fortune. He seems to have been a remarkably popular figure in London and was affectionately given the nickname ‘Nosy’ due to the ample proportions of his proboscis. Indeed there often came the cry from the theatre audiences of the day to ‘Play up Nosy!’ during a performance. When he died in 1783, at the age of 101, he left the considerable sum of £20,000 to his son James, also a talented cellist. Throughout his life he was in great demand as a teacher and taught many prominent cellists, including his son. He composed many sonatas and duos for the instrument.

FRANZ DANZI (1763-1826), composer and cellist, was the son of Innocenz Danzi, the famous principal cellist in the celebrated orchestra at Mannheim. The young Franz showed musical talent from a very early age and started composing when he was nine years old. He learned the cello with his father, joining the Mannheim orchestra in 1778. In 1796 Danzi moved to Munich with the orchestra and began composing his first operas there. He also accepted the post of assistant conductor of the court orchestra and in 1807 he took up the post of conductor in Württemberg, later moving to Karlsruhe, where he stayed until his death. Danzi taught the cello and was also an excellent singing master. Along with his more famous wind chamber music, Danzi composed numerous works for cello, including two concertos, one concertino and duos for cello and viola and two cellos. 5 20 The four duos on this recording have been chosen from an original set of 24. The first, ‘Prenderò quel brunettino’, is from Così fan tutte where Fiordiligi and Dorabella sing about their potential new lovers. The second, ‘Deh, prendi un dolce amplesso’, is from La Clemenza di Tito where Sextus and Annius sing of their friendship. The third, ‘Voi, che sapete, che cosa è amor’, is one of Cherubinos famous arias from The Marriage of Figaro. And the fourth, ‘Giovinette che fate all’amore’ from Don Giovanni, finds Zerlina and Masetto singing with the chorus before their wedding.

JACQUES OFFENBACH (1819-1880), the son of a Jewish cantor, was born in Cologne and died in Paris aged sixty-one. He moved to Paris in 1833 to study the cello and later played in the orchestra of the Opera Comique. He left the orchestra in 1838 and during the 1840s he continued his career as a cello virtuoso. In 1841 he played in Paris with Anton Rubinstein and in 1843 in Cologne with Liszt. Later, however, composing became his principal occupation and he wrote many works for the cello including two concertos, numerous solo pieces and several for cello ensemble, including a piece for seven cellos, ‘Fantasy on Robert le Diable’. However, he is best known for his operettas, including ‘La vie parisienne’, ‘La belle Hélène’ and possibly his most famous, ‘Orpheus in the Underworld’. The Marcia con variazioni on this recording comes from a set under the title ‘Cours méthodique de duos pour deux violoncelles’ published in 1847, which start with the Duos Très Faciles Opus 49 carrying on through the Duos Faciles Op. 50, Duos Moyenne Force Op. 51, Duos Brillants Op. 52, Duos Difficiles Op. 53 and Duos Très Difficiles Op. 54. 1

JULIUS KLENGEL (1859-1933) was born in Leipzig into a musical family, the son of a lawyer and fine amateur musician who was a close friend of Mendelssohn. Klengel received his initial tuition from his father and then from Emil Hegar, principal cellist in the Gewandhaus Orchestra. At 15 he became a member of the Gewandhaus Orchestra and in 1881, aged 22, was promoted to principal cellist, remaining with the orchestra until 1924. He toured the world as a solo artist to great critical acclaim. Hugh Butler, a contemporary, wrote that Klengel was a ‘fine and scholarly musician, with an admirable taste and sense of style’. Though recordings do exist, Klengel will be best remembered as a teacher. He taught some of the finest players from the 20th century including Emmanuel Feuermann, Guilhermina Suggia, Joachim Stutschewsky, Gregor Piatigorsky and William Pleeth. Pleeth wrote about his teaching methods, ‘What I loved about him the most was that he was actually a very simple man. He had no whims, no sophistication. He was very honest and I loved him for it. Klengel never encouraged us to copy, and if you look at the wide range of playing from his many pupils you will see how different we all are.’ As a composer Klengel contributed much to the repertoire of the instrument including four concertos for the cello, two for two cellos and two for cello and violin, a sonata, caprices and many works for four cellos.

RHEINHOLD GLIÈRE (1875-1956) was born in Kiev, the son of a woodwind instrument maker. In 1891 he entered the Kiev music school to study violin and composition and in 1894 he became a pupil at the Moscow Conservatory, studying composition under Taneyev, Ippolitov-Ivanov and Arensky. After he graduated his pupils included Prokofiev and Khachaturian. His compositions, mostly symphonic in scale, include symphonies and ballets including ‘The Red Poppy’. He also wrote a cello concerto. Among his chamber works – four string quartets, two string sextets, a string octet, eight pieces for violin and cello – is the set of 10 Duos for 2 cellos, five of which are played here.

PAUL HINDEMITH (1895-1963) was born in Hanau. He studied violin in Frankfurt and first came to the public’s notice as a player. In 1922 he joined the Amar string quartet as viola player with his brother, Rudolph, as cellist but later on became a professor of composition at the Berlin State Conservatory. Performance of his works was forbidden during the Nazi regime and in 1940 he settled in the U.S.A., where he became an American citizen. His works include the famous opera ‘Mathis der Maler’, and ‘Ludus Tonalis’, a set of twelve fugues for piano, although much of his work is in chamber form, with many works for solo strings and combinations of strings with piano. Hindemith produced many works which he described as ‘Gebrauchsmusik’ or ‘Utility Music’. This movement emphasised the necessity for artists to maintain contact with the people and, in order to do so, to seek inspiration from everyday subjects and to use idioms in common use. These works were often written with amateurs in mind, as is the case with this duo, which was written for his wife Gertrud, an amateur cellist. Unpublished in his lifetime, and probably written in 1942/3, it was discovered amongst Hindemith’s papers after his death.

HELENA BINNEY studied at the Yehudi Menuhin School, the Royal Northern College of Music and at the University of McGill in Montreal. She has recorded and broadcast with chamber ensembles and orchestras all over the world. As soloist she has performed concertos in America and the UK, as well as recording for the Canadian BBC and in the Far East. She plays and tours with the Guildhall String Ensemble, with whom she has made many recordings, and is principal cello with the Glyndebourne Touring Opera. She also plays in the Mainardi Piano Trio.

SARAH BUTCHER studied at the Guildhall School of Music and Drama with Stefan Popov. She was also coached in chamber music by the Chilingirian String Quartet and Hans Keller and took part in the masterclasses at Aldeburgh with William Pleeth. Extensive touring with the European Community Youth Orchestra began a pattern of international travel which has continued ever since with numerous orchestras and ensembles, varying from the BBC Symphony Orchestra (including the London Prom seasons) to the Shobana Jeyasingh Dance Company, with whom she has toured America and the Far East. She has also played guest principal cello with the Scottish Ensemble and Opus 20 String Ensemble. Helena and Sarah are desk partners in the London Mozart Players.

Duo Benoit Loiselle et François Zeitouni

You Tube:

Offenbach - Jacqueline's tears by Han-Na Chang

Offenbach - Les larmes de Jacqueline mp3 download

http://www.youtube.com/watch?v=PToFY-Upaw0&feature=related

Elgar Cello Concerto 1st mov.

Elgar Cello Concerto 3rd mov.

Elgar Cello Concerto 4th mov. - part 1

1 巴哈：無伴奏大提琴組曲

不朽的大提琴家（The Great Cellists，世界文物剛出中譯本）一書作者Margaret Campbell在書中的引言提到：「在從事研究的過程中……我所得到最重要的結論就是，巴哈的六首無伴奏組曲是每一位大提琴家所追求的目標。它們是演奏曲目的基石，許多人都承認他們可以花上一生的時間來學習並演奏這些組曲……。」的確，自從卡薩爾斯的演奏與錄音將這六首組曲復興，它們如今已經成為每位大提琴家皆試圖攀登的頂峰。巴哈這六首組曲應該是他在哥登（Cothen）擔任宮廷樂師時期（1717-23）的作品，這六首曲子巴哈皆採六樂章型式寫成－－包括Ⅰ前奏曲、Ⅱ阿勒曼舞曲、Ⅲ庫朗舞曲、Ⅳ薩拉邦德舞曲、Ⅴ小步舞曲（或布雷舞曲、嘉禾舞曲）以及Ⅵ吉格舞曲。由於原稿已經軼失，目前流傳下來的無伴奏組曲抄本有二：一是由他的第二任妻子Anna Magdalena Bach於一七三○年寫成，另一較少為人知的抄本則是巴哈弟子Johann Peter Kellner於一七二六年所完成的。由於抄本上有一些明顯的錯誤與漏失，而且許多有關演奏弓法、裝飾奏、速度等標示都付之闕如，所以現代大提琴家在演奏這六首組曲時，往往會以自己研究所得的「私房版本」演出。比方說，羅斯托波維奇對於這六首組曲是這麼描述的（從一到六號）：G大調「明亮」、d小調「悲傷而強烈」、C大調「燦爛」、降E大調「莊嚴而不透明」、c小調「黑暗」、D大調「耀眼如陽光」。雖然在眾多名家的詮釋下，這六首組曲呈現出不同的魅力，但是相信它帶給聆聽者的感動，卻是一致。（薛介維）

推薦版本巴哈無伴奏大提琴組曲 ■傅尼葉/大提琴■DG 449 711-2 ■ADD 138'42" 1996■寶麗金

一九七四年秋，卡薩爾斯過世後一年，六十八歲的傅尼葉應邀前往普拉德音樂節（Prades Festival，由卡薩爾斯創立）演奏巴哈的無伴奏組曲。San Michel de Cuxa教堂內擠滿了聆聽的人潮，獨奏會後，沒有掌聲，聽眾在全場靜默中緩緩起身……。這套著名的巴哈無伴奏錄於一九六○年十二月，地點是漢諾瓦的貝多芬廳。傅尼葉是位自我要求甚嚴的藝術家，為了維持音樂的整體性，在灌錄此套組曲時他偏好錄一大段，而且常常是錄完整樂章才停。整體而言，他的演奏從容、優雅、流暢，散發出典雅抒情的氣質。

2 鮑凱里尼：降B大調大提琴協奏曲，第九號

1743年出生於義大利的鮑凱里尼，不僅是大提琴的祖師級作曲家，也是一位傑出的演奏家。他的這首降B大調大提琴協奏曲幾乎是每個學大提琴的學生必學的曲目，即使是在今天都還是最常演奏的一首大提琴協奏曲。就連布朗咖啡的廣告也拿來作為配樂，如今想起孫叔叔那句著名的：「好東西要和好朋友分享」都會令人想起降B大調協奏曲，第一樂章一開始的附點音符，及大提琴流暢的快板。他對大提琴的技巧發展也有相當重要的貢獻，尤其是在左手方面。他提高了大提琴的把位、拓寬音域到降B；對拇指的要求很高、發展雙音的技巧與快速音程。而這首降B大調大提琴協奏曲就是最好例子。但很諷刺的是，這首最受歡迎的協奏曲竟是十九世紀下半葉的德國大提琴家Gr?zmacher (1832-1903)所校訂改編；話說回來，要不是Gr?zmacher，鮑凱里尼的作品可能就被埋沒在音樂史的洪流下。事實上，他的作品無論在當時或是現在，都是可以和海頓相媲敵的。他不僅有莫札特的天賦；更有海頓的多產。正如當時法國知名的作曲家卡蒂爾（Jean Baptiste Cartier1765-1841）所說：「如果上帝要透過音樂與人類溝通，他會用海頓的大提琴協奏曲；但是，如果他想自己欣賞，他無疑會選擇鮑凱里尼的音樂。」且不論他和海頓，誰的作品偉大；我想孫叔叔講的也很有道理，「好東西要和好朋友分享，」推薦你聽聽這首降B大調大提琴協奏曲。（張維志）

推薦版本鮑凱里尼：降B大調大提琴協奏曲 ■馬友友/大提琴，祖克曼指揮聖保羅室內管弦樂團■SK 39964■DDD/49'07"/1992■新力哥倫比亞

馬友友、杜普蕾、哈諾伊所採用的鮑凱里尼降B大調協奏曲版本，都是Gr?zmacher修定版。實際上，這個修訂並不損及鮑凱里尼的原創風貌，而且還保留了古典時期的精神。這首降B大調協奏曲充分顯示馬友友精緻、細心的品味，他並沒有像杜普蕾毫不保留地表達感情；而是用一種略帶浪漫的語彙、優美溫暖的音色，如歌般的演唱。你可以清楚感受到他在第一樂章裡，活潑、生動的韻律；第二樂章開始的弱音揉弦、力度均勻的漸強；第三樂章裡，和樂團答唱自如的美妙景象。小提琴家祖克曼指揮的聖保羅室內管弦樂團，像朝露般的清新自然，他和馬友友合作演出的巴哈交響協奏也是相當傑出的搭配，錄音、演奏都是上乘之選。

3 海頓：D大調第二號大提琴協奏曲

文獻記載海頓應該寫有五首大提琴協奏曲，但是第三號找不到樂譜，第四、五號証據不足無法證明，因此一般認定的海頓大提琴協奏曲就是第一號C大調、第二號D大調兩首。由年代久遠，海頓大提琴協奏曲的樂譜幾乎是在「考古」的情形下被挖出來的，其中第二號更是與舒曼、德弗札克的同類曲目並稱為「三大大提琴協奏曲」。此曲是海頓五十一歲時作品，傳說是為當時知名宮廷大提琴家安東．克拉夫特（Anton Kraft）所作。有趣的是這首曲子有將近一百年的創作者身分之爭，因為克拉夫特之子質疑說：「此曲並非海頓所寫，我的父親才是真正的作曲者！」不少學者也同意，因為樂曲中用到的高把位、雙弦奏法，都超出海頓當時的習慣用法。不過，到了五○年代海頓親筆手稿在維也納被找到後，再加上另一派擁海頓的學者找到一八○六年根據手稿出版印刷譜之後，這首作品的真正主人終於真相大白。該曲第一樂章是標準的協奏曲奏鳴曲式，精巧典雅是基本品味，聲部的交替緩而不遲，有股濃厚的貴族氣。第二樂章慢板是三段式的小輪旋曲，舒緩的主旋律讓我們了解到海頓也是一位「旋律高手」。第三樂章是輕快的輪旋曲，氣氛明亮、輕鬆愉悅，暨有巴洛克的明快又有古典的雅緻。要將這首作品的興味奏出，節奏感以及分句的簡潔相當重要，主奏與協奏聲部要有富流動性的韻律感。（賴偉峰）

推薦版本海頓：D大調第二號大提琴協奏曲 ■哈諾伊/大提琴，保羅．羅賓森指揮多倫多室內管弦樂團■RCA 09026-60722-2■1983■博德曼

這首作品的經典名演個人推薦杜普蕾與巴畢羅里EMI版（企鵝三星），簡潔的分句、深情的琴音，完全表現出海頓時期流暢明快，令人一聽上癮。最新發行的版本是哈諾伊，不過這並不是新錄音，而是1983年的重發片，是哈諾伊選集中的第六集，收錄海頓的兩首大提琴奏鳴曲。從音色的豐潤度來說，這張唱片表現傑出，大提琴琴身、琴版的共鳴細節清晰，多倫多室內管弦樂團與主奏的聲音也相當融洽。哈諾伊的詮釋一如他的裝扮，亮麗的語法令人不忍把目光移開，充分展現女人嫵媚的氣質，是與眾不同的「浪漫」海頓。哈諾伊為了爭取更多表情細節，因此分句有拖曳的現象，因此在主協奏整齊度以及節奏感上就出現了搭配的難度，外樂章（一、三）快板時此情形更明顯。不過您千萬不要以為這是「荒腔走板」的演出，哈諾伊能有今天的名氣也不是省油的燈，他的音色「媚」力、雍容華貴的態勢讓我聽到完全不同於杜普蕾的海頓

4 貝多芬：第三、五號大提琴奏鳴曲

貝多芬一共寫了五首大提琴奏鳴曲，在數量上或許比不上他的小提琴協奏曲，但是在藝術成就上絕對不遑多讓。這五首作品分別是作品5兩首，作品69一首，作品102兩首。分別具備貝多芬早期，中期，晚期的特色。在這五首作品中，以第三、五號最為出色聞名。第三號在創作時間與樂曲性格都介於作品5與102之間。寫於1807-1808年，提獻給大提琴家同時是貝多芬的好友Baron Iganz von Gleichenstein，他同時有點像他的經紀人。當時這兩個人都愛上Malfatti姊妹，但是Gleichenstein抱得美人歸，而貝多芬卻失意情場，因此這首曲子充滿淚水與悲傷。由一段完美的旋律大提琴獨奏地拉出，展開了充滿羅曼蒂克的第一樂章，該樂章中有兩個重要的抒情的主題。詼諧曲的部份主題出現三次，分別再兩次中段（trio）的前、中、後。第三樂章由慢而快，在如歌的慢板後緊接著明亮緊致的奏鳴曲式，而主要的主題與他的 Rasoumovsky弦樂四重奏相同。第五號可說是五首中的巔峰之作，無論在技巧、和聲、樂曲形式都有重大突破。他打破古典形式奏鳴曲第一樂章的緩慢序奏、終樂章以賦格開頭的慣例。第一樂章就大膽奔放的由鋼琴導入，開始精神抖?#092;的奏鳴曲式。第二樂章情緒雖然感傷，音樂語句卻恬靜帶有昇華感，大提琴與鋼琴的對話交織緊密，對位法充分被?#092;用。緊接著第二樂章不中斷演奏的第三樂章的，複雜的雙重賦格深深的影響到布拉姆斯的同類作品。跟貝多芬自己的交響曲比起來，他的大提琴奏鳴曲在氣質上相當內省，寓意深遠。（賴偉峰）

推薦版本貝多芬：第三、五號大提琴奏鳴曲 ■羅斯托波維奇/大提琴，李希特/鋼琴■Philips 442 565-2■ADD/2CDs/1961-62■寶麗金

要選貝多芬大提琴奏鳴曲的經典版本，本片當然實至名歸。其中第三、五號是最新日本三百名曲第一名，羅斯托波維契與李希特兩大天王，光是名號就嚇死人！而且兩張平價CD將貝多芬五首大提琴奏鳴曲全部收錄，在荷包考量下更是划算。羅斯托波維奇得詮釋相當理性，沒有加油添醋的肆虐，整體呈現自然無欲。最精彩的當然是兩位大師在競奏交疊、聲部對位，所表現出來的張力，兩個人的合作讓充滿抽象、絕對的奏鳴曲，浮現前所未有的思想紋路、心情脈絡。羅斯托波維奇在?#092;弓起落，起承轉合之間的確不辱他當代大提琴巨擘

阿貝鳩奈奏鳴曲也叫做琶音琴奏鳴曲，原本是的名號。

5.舒伯特：琶音琴奏鳴曲，原本是為琶音琴（Arpeggione）這種樂器而寫。琶音琴或稱吉他大提琴，這是一種六弦的古樂器，此樂器現在可說漸被遺忘，但是舒伯特此曲為琶音琴留下最好的歷史文獻，也可以說是唯一的。由於琶音琴幾乎可說是失傳，近代這首作品經常被改編成弦樂器主奏，例如小提琴、中提琴或是大提琴，受到樂迷極大的歡迎。舒伯特一八二四年寫該曲時，正與艾斯特哈奇一家人在采里次避暑，心情相當愉悅快活。而且當時他與伯爵公主卡羅麗娜也有緋聞傳出，在愛情的滋潤下樂曲當然優美動聽。另外，采里次當地充滿濃厚的匈牙利風情，舒伯特也深深受到影響，喜歡上匈牙利風的音樂。在琶音琴奏鳴曲中，他在琶音琴這種又有吉他又有大提琴的樂器上，表現了奔放熱烈的匈牙利音樂個性。整首曲子僅二十分鐘，第一樂章由鋼琴與大提琴輪翻奏出我們所熟悉的旋律，是帶有羞澀與憧憬夢想的主題，充滿著歌唱性。第二樂章是三段式的自由變奏曲風格，主題充分發揮歌唱性（舒伯特的專長），音樂聽起來沒有結構嚴謹的包袱，而另有一種疏通的自由。第三樂章大提琴做出琶音琴效果，應該是現代的改編曲模仿當時琶音琴，歌謠味濃厚的匈牙利音樂特質，可以清楚地聽出來。時而豪放的匈牙利樂句會突然地插入優雅的主題中，雖然有些突兀，卻表現了舒伯特難得一見輕快俏皮，可見他當時得心情一定是好到了極點。陽光、自由的呼吸、悠閒的生活步調，的確是作曲家創作靈感的充分條件。（賴偉峰）

E推薦版本舒伯特：琶音琴奏鳴曲 ■羅斯托波維奇/大提琴，布瑞頓/鋼琴■Decca 443 575-2■ADD/1968■福茂

本曲的經典版本，我個人追隨劉仁陽顧問的選擇，推薦羅斯托波維奇Decca版。曾獲得日本唱片藝術第一名的殊榮的唱片，前不久才發行CD。這張唱片中有著羅斯托波維契與布瑞頓的友誼吧！還有發燒級自然真實的錄音！以及親暱緊密的對話詮釋！大提琴與鋼琴表現出合作無間的親暱感，堂音豐富、細節清晰。大提琴的聲音不僅通透有甜味，弓毛與弦的摩擦質感高貴如天鵝絨一般滑順，琴音變化相當豐富。連劉顧問都誇讚：「好久沒有聽道錄得這麼有靈氣的大提琴聲音。」第二樂章的主題拉奏，讓人不禁懷疑，到底舒伯特當初是為琶音琴還是大提琴寫這首曲子？怎麼羅斯托波維奇的琴音表現與樂曲那麼契合。這絕對是一張音響迷必備的唱片！

6 舒曼：a小調大提琴協奏曲

這首a小調的大提琴協奏曲是舒曼一生當中唯一的一首同類作品。一八五○年十月，舒曼接受了杜塞多夫市音樂總監一職，高興地與家人前往履新，也就在這個時候，他以大約兩個禮拜的時間迅速地寫下了這首協奏曲。舒曼對大提琴的喜愛起碼可以追溯到一八三二年，我們從他一八四二年的鋼琴四重奏與五重奏，一八四九年的五首民歌風大提琴小品中可以窺見。這首協奏曲當時並未即刻出版，一八五四年，深受精神衰弱之苦的舒曼在病中藉由修改這首樂曲得到了慰藉。此曲於一八五四年出版，但直到一八六○年舒曼死後四年才舉行世界首演。舒曼在這首曲子的原稿上註明了「Konzertst?k」（有管弦樂伴奏）的字樣，正如他所標示的，此曲的管弦樂部份居於伴奏的角色，主要皆由主奏大提琴來發揮。第一樂章由木管與弦樂器撥奏奏出a小調和弦後，大提琴的第一主題隨即進入，自此大提琴無論在發展部或再現部，始終居於主奏的要角，而樂團則居陪襯角色，幾乎可說是襯底的背景。樂曲不間斷地進入第二樂章，這是只有三十四小節長度的短小樂章。在弦樂的撥奏中，大提琴呢喃地奏出如歌的主題，樂團中的首席大提琴接著與之應合。不久，樂曲便進入「稍為活潑的」部分，接著在木管樂器的提示下，再現了首樂章第一主題的前半句，而後半句則轉變成本樂章的主旋律（由大提琴奏出）。最後在獨奏大提琴的一段短小樂句中，進入終樂章。第三樂章一開始，便由管弦樂以強有力的和弦與獨奏大提琴奏出第一主題，接下去可說都是屬於這個主題的發展。接近尾聲時，大提琴有一段精彩的裝飾奏，然後樂團部份漸次加入，一起明快地結束全曲。（薛介維）

推薦版本舒曼、亨德密特大提琴協奏曲 ■史塔克／大提琴，Dennis Russell Davies指揮邦貝格交響樂團■RCA 09026-68027-2■DDD 51'36" 1995■博德曼

史塔克一九六二年七月曾在Mercury灌錄舒曼大提琴協奏曲，那個版本展現出大師壯年時期凌厲的技巧，演奏銳氣十足，展現出大開大闔、一夫當關的氣勢。這個RCA版錄於九四年，史塔克已經七十高齡，年邁的他當然在體能狀態上不復當年，但是呈現出來的卻是較為圓熟的風格，在速度上也較慢，與年輕時期相比又是另一種不同的風味。指揮Dennis Russell Davies的伴奏相當好，樂團的各聲部在他的棒下極為平衡，與獨奏十分契合。片中另外收錄亨德密特寫於一九四○年的大提琴協奏曲（為了紀念一九九五年他百年誕辰），千萬不要認為這是二十世紀的作品就退避三舍，請聽聽那具俏皮、詼諧進行曲風的第三樂章，相信你一定會喜歡的。錄音上乘，各聲部清晰分明

7 布拉姆斯：第一、二號大提琴奏鳴曲

我們麼都知道布拉姆斯與巴哈、貝多芬合稱三B，他一生只寫過兩首大提琴奏鳴曲，第一號e小調作品38、第二號F大調作品99。這兩首作品無疑是大提琴曲目中的經典作品。第一號完成於布拉姆斯的德意志安魂曲即將完成時，當時布拉姆斯從克拉拉舒曼的別墅返回維也納，耗費三年的時間才完成。經過二十一年後，布氏又寫第二號。當時他已53歲雖青春不再但是音樂更加洗鍊，此曲與他的第二號小提琴奏鳴曲差不多時間完成，當時他人旅居瑞士的托恩。第一號的三樂章中，第一樂章的重頭戲就是仿效巴哈賦格與藝術、貝多芬第五號大提琴奏鳴曲終樂章的賦格，布拉姆斯將大提琴與鋼琴的份量寫得一樣重，並沒有刻意凸顯大提琴而壓抑鋼琴的企圖，因此與其叫大提琴奏鳴曲，不如叫鋼琴、大提琴二重奏曲。第二樂章與第一樂章是本曲先完成的部分，在速度上第二樂章要求要近似小步舞曲，律動感要夠但是又不能失去第二樂章該有的抒情婉約特質。第三樂章完成於1862年，不過當時缺乏結尾部分，一直到1865年才加上結尾部分。在第一號中，布拉姆斯為鋼琴寫了厚重複雜的和聲，因此大提琴的拉奏必須相當具有力道，才能讓聲音不被鋼琴淹沒。原本寫有慢板樂章，後捨棄不用。第二號熱情的第一樂章開頭令人印象深刻，相當具有震撼力。慢板時大提琴以布拉姆斯相當偏愛的撥奏出現，刻意地撥動聽者的心弦。第三樂章六八拍的八分音符連奏，是十足別緻的主題。第四樂章則是輪旋曲式，大提琴雙弦的拉奏?#092;用得相當多。（賴偉峰)

推薦版本布拉姆斯：第一、二號大提琴奏鳴曲 ■Maria Kliegel/大提琴，Kristin Merscher/鋼琴■Naxos 8.550656■DDD■滾石

此曲的經典版本無疑是：杜普蕾/大提琴，巴倫波因/鋼琴（EMI CDM 7 63298 2，科藝百代）兩夫妻的合作，琴音深刻滲入脊髓、感人肺腑。目前最新發行的版本，則是Naxos的Maria Kliegel版。這位出生於德國曾獲羅斯托波維契大獎的女大提琴家，?#092;弓平穩、技巧紮實，稱不上是舌燦蓮花的光芒耀眼，道有田野隱士的平淡致遠。在解讀詮釋這兩首作品上，Kliegel不吝釋放能量，充分展現布拉姆斯樂曲的內蘊力道，情緒也沒有流於過激的沈溺。說實話，Kliegel分句上大刀闊斧的砍劈，不拘泥小節上的修飾，頗有大師朱銘的大型木雕氣勢，言簡意駭、氣勢渾然，您甚至會誤認為她是男性演奏家。雖然這兩首作品的錄音相當多，但是在杜普蕾與巴倫波因的經典版本之外，Naxos此版也屬上乘絲毫沒有廉價灌水之感。

8 德弗札克：b小調大提琴協奏曲，作品104

如果要從協奏曲的角度推薦一首入門曲，那我會非德弗札克不選。因為德弗札克的音樂有非常強的旋律性，建構在堅實的曲式架構上。近代樂派之的歐陸作曲家中，我最欣賞的兩位：史梅塔納與德弗札克，都對斯拉夫民族懷著深厚的情感，並勇於表現在他們的音樂中。於1895年完成的b小調大提琴協奏曲，是德弗札克晚期的作品，也是他應聘前往美國紐約國民音樂院（National Conservatory for Music）任院長職期間的創作之一，後回國轉任布拉格音樂院院長，才將這闋協奏曲題獻予本國的大提琴演奏家哈努雪．威漢（H. Wihan）。這首作品哪裡好聽？當然是旋律好聽，第二樂章的主奏大提琴以豐潤渾厚的音色，在中低音區裡遊走出故鄉之愛。而協奏樂團在德弗札克的筆下，則已脫離傳統協奏曲的陪襯角色，與主奏大提琴形成對等的地位。特別是樂團編制部份，更因為低音號與長號的加入，打破傳統只有法國號、小號的二管編制，讓整體的音響性有更壯觀的表現。另外，德弗札克汲取在美任教三年的經驗，將當地黑人靈歌的曲調結合波希米亞舞曲的節奏，成就出終樂章的迴旋曲式。至於主奏大提琴呢？在德弗札克的安排下，除了靈活?#092;用中低音域的音色外，還勇於向高音域的極限挑戰（高音La, Si），克服雙音把位在快速移動上的高難度挑戰，展現出大提琴寬廣音域上的豐富多變。整體來說，這首樂曲所擁有的活潑的節奏與濃烈的情感，在華麗的管弦技法安排下，仍然展現出浪漫樂派的特性。（廖玫玲）

推薦版本德弗札克：b小調大提琴協奏曲 ■羅斯卓波維奇/大提琴，卡拉揚指揮柏林愛樂■DG 447 413-2■寶麗金

DG旗下有兩位天王級的大提琴名家，一位是傅尼葉，另外一位是羅斯卓波維奇。這兩位大師的德弗札克，光從演奏成就來說，均為世有定評的名盤。前者是日本三百名曲之一，後者更榮獲企鵝的三星戴花。前者剛悍的曲風表現恢宏的張力，後者豐潤纖細的音色，與樂團合作出圓融協調的默契。至於哪一版好呢？得視個人喜好而定。值得一提的是，錄於六○年代的羅斯卓波維奇版，最近在DG精心策畫下，以大花版傳奇錄音系列重發問世。不論就曲目的代表性（另有柴可夫斯基的羅可可主題變奏曲），演奏陣容與錄音技術，都是值得珍藏的名盤。

9 聖桑：a小調第一號大提琴協奏曲，作品33 拉羅：d小調大提琴協奏曲

被奉為法國作曲家的重要代表人物聖桑，其作品總帶有一貫端正典雅的形式與樂思，彌漫著濃厚的古典主義風。這首寫於1870年的a小調的大提琴協奏曲，在整體的架構上較其他的協奏曲來得小巧玲瓏，三個樂章不間斷的連續演奏，只須花得二十分鐘左右便可奏完。其中第三樂章的主題還與第一樂章重複發展，事實上，也可以視為一首超大型的單章樂曲。此曲在恪遵古典作法下，在方正小格局之下，謹守主從地位，給予主奏樂器寬廣的空間作技巧性的發揮。不過，從受限的架構，音響力度上的薄弱，與主題張力的不足各方面來看，常讓這首樂曲陷入新鮮不足的詬病中。至於，擁有豐富獨奏、室內樂合奏經驗的拉羅，在作曲才能尚未能被肯定之前，就是一位弦樂器的演奏者。日後將演奏經驗?#092;用到作曲上的成功例子有小提琴的「西班牙交響曲」，以及d小調的大提琴協奏曲。拉羅在這首曲子中，從開始的宣敘調，到恬美的間奏曲主題，再到哈巴奈拉舞曲快板節奏，充分擷取異國（西班牙）情調的素材。再者，拉羅對大提琴富抒情人聲的音色也掌握得相當好，並借助管弦樂華彩豐富的配器，展現各個聲部均衡下的力度與美感。（廖玫玲）

推薦版本拉羅、聖桑大提琴協奏曲 ■蘇菲．羅蘭/大提琴，吉伯特．瓦加指揮BBC愛樂管弦樂團■ASV CD DCA 867■DDD/64'47"/1993■韻順

這是一張以法國作品為主的專輯，除拉羅、聖桑的協奏曲外，另有馬斯奈的「幻想曲」。對同是女性演奏家來說，蘇菲．羅蘭在掌握樂曲的行進上較哈諾伊來得好，而且她不僅能抓住大提琴抒情音色的特質，於造句間展現旖旎婉約的歌唱性，更在旋律線條的起伏上展現應有的力度，做好樂句間的聯繫工作。整體說來，就聖桑一曲，蘇菲．羅蘭以自然不造作的音調，讓靈動浪漫的氣質縈繞而生。如果你聽過拉羅的「西班牙交響曲」就當知道該曲在異國情調與取材上的偏重，而這首d小調的大提琴協奏曲也是如此。蘇菲．羅蘭以紮實平穩的技巧與酣甜的句法，像是默契良好的多年老友般的與協奏樂團合作無間。

10.艾爾加：e小調大提琴協奏曲，作品85

作品編號85的大提琴協奏曲是艾爾加晚年之作（1918-1919年），這個時期的艾爾加，前有管弦樂曲「謎語變奏曲」名聞於世，在英國境內已是一位倍受尊崇的作曲家。原本就帶有陰沈性格的小調，在e小調以悲哀激烈的引導下，先是唱起莊重嚴肅的宣敘調作為開場。繼之發展的主題旋律又在大提琴抒情呢喃的中低音域裡游走，如此強烈撼人的開場白，是這首作品最先吸引人的地方。再者，請聆者多多熟悉這首曲子，將會發現第一樂章的宣敘調是貫穿於整首作品的中心樂念，最後將會在第四樂章裡有完整的收束。至於詼諧曲與終樂章裡的花奏，則高度發揮技巧的精鍊度。而以和聲對位取勝的慢板，在抒情的曲調中不時存有一縷灰色的浪漫。單就旋律上，雖不如德弗札克來得煽情華麗，卻成功的在與協奏樂團的搭配合作上，贏得更深更濃更美的情感。這首作品在完成的同年就舉行首演。另有一首小提琴協奏曲作品61，同為艾爾加具代表性的兩首大型器樂曲的作品。（廖玫玲)

推薦版本艾爾加：e小調大提琴協奏曲，作品85 ■Yoohong Lee/大提琴，曼紐因指揮皇家愛樂管弦樂團■Tring TRP 061■DDD/55'28"/1996■喜瑪拉雅

老錄音固然值得收藏，如艾爾加的大提琴協奏曲豈能對杜普蕾一版（EMI）失之交臂？但是站在世代交替的立場，不妨也試著關心一下市場上的新作。皇家愛樂系列之艾爾加大提琴作品，請到的是一位韓國男孩－Yoohong Lee，話說從小資賦優異的Yoohong，十歲與漢城愛樂管弦樂團合作登台首演，年紀輕輕便有不少與樂團合作演出的經驗。Yoohong在這張錄音中一一做到的成熟造句與洗練的技巧，是非常不容易的，遑論深刻優美的宣敘調，在他手中演來確能動人心弦。協奏的皇家愛樂，由小提琴手出身的曼紐因領軍，酣暢淋漓的管弦樂線條，以收放自如的張力，亦步亦趨的追隨主奏大提琴鋪陳出深情的旋律。

大提琴名家

張漢娜
钢琴,钢琴谱,钢琴教学,考级,成人钢琴,幼儿钢琴,乐理,和声,配器, y1t(s2a*R#~ S
「韓國的小女生，都像妳們這麼天才嗎？」繼張莎拉之後，張漢娜的出現，讓我們忍不住要這樣問。現年十三歲，才是國一的年紀，韓裔的張漢娜已經成為樂壇的一顆大提琴新星。三歲開始，她由作曲家母親啟蒙學鋼琴，三年後改學大提琴，隨即進步神速，使得她八歲那年就登台做職業演出，並在電視上亮相。九三年，她舉家由韓國遷往美國，並進入茱麗亞音樂院Pre-College成為Aldo Parisot的學生。當大提琴家麥斯基聽到她的演奏時，驚訝於她的天賦，遂給予她獎學金參加他在義大利Siena的大師班。九四年十月，小小的張漢娜在巴黎舉行的第五屆羅斯托波維奇國際大提琴比賽當中得到首獎，更是讓老大師驚為天人：「我在她這年紀時都沒她拉得這麼好。他音樂的成熟度與情感實在太好了，如果把眼睛閉上，你一定以為你在聽一位二十五歲音樂家的演奏，這是我以前從未聽到過的。」獲獎後，愛國團結的海外韓商還聯合起來，從米蘭買了一把1757年的 Guadagnini名琴送給她。張漢娜目前是紐約Rockland County Day School的學生，除了茱麗亞的課程之外，她目前還私下與麥斯基及羅斯托波維奇學習。雖然年紀輕輕就成為EMI力捧的專屬藝人，首張專輯羅斯托波維奇還特別為她跨刀助陣，但張漢娜仍然以相當自然的態度面對未來，並不認為自己有多特殊。「我覺得當平常人沒什麼困難，」十月將登上卡內基廳的她說：「我本來就很平常啊！」（薛介維)

Offenbach - Jacqueline's tears, Han-Na Chang

柯亨（Robert Cohen）

1959年生於英國，他八歲就獲得Suggia Prize，1969-1976年間隨William Pleeth（美藝三重奏的大提琴手）學習，1975年與杜普蕾、羅斯托波維契學琴，十二歲在倫敦首演，1978年贏得紐約國際青年協奏曲藝人大賽，以及檀格塢皮亞第果斯基大獎。1981年贏得捷克聯合國教科文組織大賽。柯亨的造型相當新潮，他將落腮鬍修得又短又整齊，而且喜歡帶一頂帽子，深情大眼彷彿會放電。他喜歡演奏英國作曲家的冷門曲目，選曲方面與他的造型一樣有特殊的品味。原本所使用的琴是史特拉瓦第，不過1991年在蘇富比目錄上購入1723年份的羅馬David Tecchler「Ex-Roser」琴後，就將史特拉瓦第賣掉，目前就用「Ex-Roser」琴。柯亨在1993年在Argo灌錄第一張唱片，愛爾加大提琴協奏曲（英國銷售超過20萬張，馬克拉斯指揮），1994年錄Bliss大提琴協奏曲（Wordworth指揮），1995錄華爾頓大提琴協奏曲（李頓指揮）、Feldman大提琴協奏曲（泰頌湯馬斯指揮）。未來將在Decca錄布瑞頓無伴奏大提琴，大提琴奏鳴曲。（賴偉峰）

哈諾伊

能在國際樂壇上喊得出名號的女大提琴家並不多，年輕早逝的杜普蕾是一個，剛以天才神童竄出的張漢娜是一個，還有一個就是正要往事業巔峰走去的哈諾伊。與杜普蕾的清純可親相較，哈諾伊給人的就是充滿活力的現代時髦女性；但是這兩位曾經既是師姐妹又是師徒關係的女性，卻在音樂演奏上與外型相左。細膩溫柔是哈諾伊的音色，反倒是杜普蕾有著揮灑自若的犀利暢快。自以色列移民至加拿大後，哈諾伊以女性化的演奏風格，分別在1978年的蒙特利爾交響樂團比賽、 1979年的加拿大國家音樂大賽、1982年的紐約Guild演奏家大賽中以過五關斬六將的方式，迅速累積起自己的名聲。其中最優異的成績要算是數度拿下加拿大朱諾獎的最佳獨奏家。同時朝向流行與古典方向發展的哈諾伊，在東家RCA的栽培下，開始累積大量廣泛的大提琴經典曲目。如同她對自己的演奏有自信般，在唱片裡的哈諾伊? #092;弓是那樣的浪漫煽情，造句是那樣的流暢動聽，特別是古典小品與跨界音樂的詮釋，總是有她鮮明的個人風格。才三十出頭的哈諾伊，正是要把事業向上的衝的時候。祝福妳，美麗性感的哈諾伊。（廖玫玲)

伊塞利斯（Steven Isserlis)

1958年生於英國，日後就讀倫敦國際大提琴中心、美國俄亥俄州歐柏林學院，曾師事Jane Cowan，曾獲得皇家愛樂協會年度器樂家獎，以及1993年的皮亞第果斯基大獎，而John Tavener「The Protecting Veil」的美國首演也是由他擔綱。伊塞利斯一頭長捲髮，外表看來內斂保守，臉上經常有一種略帶憂鬱的表情。他的演奏曲目極廣，從巴洛克到現代無所不包，使用1745年的Guadagnini琴，羊腸琴弦使得琴音聽起來特別甜潤。他不刻意用顫音、滑音而讓音樂聽起來更自然、更有生命力，音量雖不大但是富有感情。伊塞利斯錄音最早發跡於Hyperion，錄過布拉姆斯的奏鳴曲、馬替奴的協奏曲、佛瑞等法國作品；之後在Virgin也錄有不少唱片，與 Hickox、賈第納、李頓等指揮都有合作，目前他是RCA專屬藝人，經常錄一些偏冷但是悅耳動聽的大提琴作品，最新力作是「遺忘的浪漫」，裡面就收錄不少難得一聽的「冷曲」。在拓展大提琴的錄音曲目上，伊塞利斯的努力可說相當傑出，在詮釋上他也走出一條不同於古樂的拘謹，也並非燦爛炫技的新路線，為愛好大提琴音樂的朋友另開了一扇窗。（賴偉峰）

朱利安?洛伊?韋伯 Julian Lloyd Webber

跟寫音樂劇的Andrew Lloyd Webber有關係嗎？是的，他們有血濃於水的兄弟關係。我對Julian Lloyd Webber有深刻的印象是因為他新近的一張「Cradle Song」專輯，這是特別為他的兒子－David所作的搖籃曲專輯。簡潔的小品旋律，喃喃地道出為人父的喜悅之情。加盟Philips十年有餘的Julian Lloyd Webber與席夫（H. Schiff）同為該公司的兩大支柱。一直不斷有新作問世的他，其演奏、改編、指揮的多樣才華，被視為當代英國境內最活躍的大提琴演奏家。曾追隨傅尼葉學習的Julian Lloyd Webber，不以炫技為最高指導原則，演奏中總是蘊藏著豐富的細節，頗有乃師之風。從他積極的涉略各時代作品來看，如奧乃格、Miaskovsky一類的冷門曲目，與英國作曲家的作品，都經常被網羅在他的專輯錄音中。至於在非嚴肅音樂方面，Julian曾以「Lloyd Webber Plays Lloyd Webber」（Philips 426 484-2）演奏他兄長Andrew的音樂劇名作，兩兄弟在樂壇的成就，可說是各有一片天地。（廖玫玲）

馬友友

如果國內再來辦一場票選心目中理想的大提琴演奏家，筆者以為冠軍該是非馬友友莫屬。倒不是因為黑眼珠黃皮膚的關係，而是他在台上極具親和力的丰采，以及從音樂中傾洩而出的深度內涵，讓人不得不將手中的一票投給他。論演出、錄音的活躍程度，出生於1955年的馬友友無愧可以成為中生代的頭號大提琴演奏家。為開拓自己的視野，在尚未踏入音樂圈前，他在哈佛主修人文；將音樂演奏視為終生職後，更勇於擴大自己在演奏上的彈性，從古典音樂，到爵士、流行，甚至是日本、非洲等世界各地不同性質的音樂，都是他樂意挑戰的目標。相較於羅斯托波維奇在琴技與力度上的展現，馬友友無疑在音色曲韻上更勝這位前輩一籌。正因為他有如此纖細、煽情、又溫柔的優美音色，往往在拉奏抒情一類的作品時，其豐富的細節與清晰的紋理，往往更能動人心弦。馬友友今天之所以能享有高知名度，筆者以為他綜合了先天的優異天賦，良好的音樂學習環境，以及後天努力經營的舞台魅力與音樂內涵，稱他為實力堅強的明星級藝人，事實上一點兒也不為過。（廖玫玲）

麥斯基

看過麥斯基現場演奏的人，很難不對他的造型留下深刻的印象。留著落腮鬍，蓬鬆的長髮在腦後綁成一個小馬尾，另外特別引人注目的是，他身上由三宅一生設計的服飾－－有時是胸前開襟的鮮黃色絲質襯衫，又有時是像星際大戰中黑武士般的盔甲裝。米夏?麥斯基（Mischa Maisky）一九四八年一月出生於拉脫維亞的首都里加（Riga），由於母親希望她的孩子們都能走上藝術家之路，因此麥斯基從小便學習大提琴。他首先進入里加音樂院學習，十七歲轉到列寧格勒音樂院。一九六六年，他在柴可夫斯基大賽中獲獎，引起了裁判羅斯托波維奇的注意，隨後便到莫斯科音樂院跟羅斯托波維奇繼續研習。一九七二年麥斯基獲准離開蘇聯，七三年，麥斯基獲得佛羅倫斯國際卡薩多大提琴賽首獎，不久之後便在紐約卡內基廳，與史坦柏格/匹玆堡交響樂團合作演出協奏曲。音樂會後，一位老先生深受感動，將自己擁有的一把十八世紀蒙塔瓜那（Mantagnana）琴慨然相贈。除了羅斯托波維奇之外，麥斯基有幸與另一位大提琴泰斗皮亞第果斯基（Gregor Piatigorsky）學習。一九七四年他前往加州跟隨皮氏學了數個月，成為大師最後一位弟子。麥斯基的演奏在熱情外放的風格中不失細膩，他目前已經成為中生代大提琴家中的頂尖人物。

莫克（Turls Mork)

1961 生於挪威的Bergen，起先由父親啟蒙，之後進入瑞典廣播音樂學校與Frans Helmerson習藝，以及拜奧地利的Heinrich Schiff、莫斯科的Natalia Schakowskaya為師，1982年他成為斯堪第納維亞人在柴可夫斯基大賽奪獎的第一人。莫克與奧斯陸愛樂關係密切，1989他的逍遙音樂節首演就是與該團合作，1992年與柏林愛樂首演的指揮是葉維。莫克的外型看起來冷靜，略有禿頭跡象。他的音樂特色是?#092;弓充滿能量，琴音飽滿豐實，是一種硬調子的浪漫溫暖。目前所用的琴，是由挪威SR銀行商借出的Domenico Montagnana（1723威尼斯）。錄音方面，過去曾在Simax錄過高大宜無伴奏、與奧斯陸愛樂合作德弗札克大提琴協奏曲、與挪威室內管弦樂團合作海頓大提琴協奏曲、與鋼琴家J-Y Thibaudet合作葛利格與西貝流士作品、與Juhani Lagerspetz灌錄布拉姆斯大提琴奏鳴曲以及改編歌曲、與倫敦愛樂錄蕭斯塔高維契一、二號大提琴協奏曲。最新錄音則是拉赫曼尼諾夫以及米夏可夫斯基的奏鳴曲，伴奏還是J-Y Thibaude。（賴偉峰）N2t

羅絲頓（Shauna Rolston）

1967年出生於加拿大亞伯特省的愛德蒙頓，後來全家遷居到班夫。她的父親是小提家Thomas Rolston，母親是鋼琴家Isobel Moore，從小一家便經常舉行家庭三重奏，也因此奠下羅絲頓的音樂基礎。她參加過Zara Nelsova、Janos Starker、Tsuyoshi Tsutsumi、Gabriel Magyar、Leonard Rose等人的大師班。也曾在英國布列頓皮爾斯學校，師事傅尼葉與William Pleeth。在耶魯大學師事Aldo Parisot。1986年獲美國音樂雜誌值得期待的年輕藝人，也曾獲亞伯特省的國際傑出成就獎。首張錄音是十六歲，在CBC可以看到她的錄音。她經常與加拿大樂團合作，另外像聖路易、倫敦、紐約、阿姆斯特丹、布達佩斯、日本、義大利等地的樂團也多有合作。羅絲頓是繼杜普蕾、哈諾伊之後令人期待的女性大提琴家，她的琴技與她的外貌一樣出色，如果說將杜普蕾形容成淒美的黃花、哈諾伊是濃郁的蜂蜜、那羅絲頓就是令人期待的含苞蓓蕾，充滿了無限的可能性。目前國內可以買到她的唱片只有兩張，最新錄音是艾爾加大提琴協奏曲、柴可夫斯基如歌的行板等曲，從音樂可以聽出羅絲頓「超齡」的音樂思想，冷靜中有沈鬱，大師體味淡淡地飄出。（賴偉峰）

奧地利大提琴家席夫（Heinrich Schiff）

出生於一九五一年十一月十八日，他的雙親都是作曲家，雖然父母並不在意他是否一定要繼承衣缽成為一位出色的音樂家，但他還是走上了音樂之路。席夫起初以鋼琴啟蒙，九歲起開始學大提琴，席夫自述在他學習大提琴的過程當中，他的老師法國大提琴家Andre Navarra對他影響最深。「只有偉大的老師能給學生自由的空間讓他們發展出獨特的個人風格」他說，「我的琴音也許聽起來不像Navarra，但是你只要看我演奏時的?#092;弓與指法，就知道是誰教我的。」一九七三年，席夫首度於維也納與倫敦演出，一九八三年則登上紐約舞台。由於父母都是作曲家，他自小耳濡目染，對現代音樂習以為常，因此相當熱衷於推廣現代音樂。他曾多次在作曲家親自指揮下，演奏魯托斯拉夫斯基的大提琴協奏曲，而許多作曲家也寫曲題獻給他，由他首演的作品，包括了Bernd Alois Zimmermann的大提琴協奏曲（1984年倫敦首演，並且在Philips由Michael Gielen指揮下灌錄此曲）以及Hans Werner Henze的七首愛之歌（1986年）等。自一九八○年代中期起，席夫開始客串指揮，目前是以大提琴兼指揮的雙重身分行走江湖。（薛介維）

关于杜普蕾

杜普蕾（Jacqueline Du Pre）的一生，尤如昙花，惊艳的绽放之后，旋即而来便是死亡。
这个英国历史上的音乐神童，将大提琴的传说从16岁续写到了26岁，然后下肢瘫痪，直到她42朵花瓣完全凋零。十年的光阴，杜普尔经历辉煌的巅峰，经历着如啸的掌声，同时也经历着漂泊，经历着一个身着华美礼服，在一束聚光灯照耀背后的灵魂的孤独的哭泣。

据说匈牙利大提琴家史塔克有次乘车，听见广播里正播放大提琴曲，便问旁人是谁演奏的。

旁人说是杜普蕾。史塔克说：“像这样演奏，她肯定活不长久。”好厉害的史塔克，真是一语成谶啊！也许只有顶尖的艺术家才能理解自己顶尖同行的水准，史塔克听得出，杜普蕾是用生命在演奏，为了琴艺的完美，可以不惜一切。杜.普蕾一直是许多古典音乐乐迷心中的一个叹息。

她是上帝派来安抚人类不安灵魂的天使，她是集上帝的恩宠和撒旦的苦难于一身的绝无仅有的被神选中的人。

正因为有了她，伦敦在音乐世界的地图上才有了大提琴的形状。

她，有个很好听的拉丁文名字——杰奎琳·杜普蕾。

大提琴本是阳刚的乐器，大提琴的琴声本应坚强而有力。但是在杜普蕾的手中，它却传递着一种非凡却伤感的预兆的力量，一种美的无以复加的悲愁。

1965年，她20岁，就借助埃尔加的大提琴协奏曲的乐谱，给予全世界失去恩宠的生命以抚慰。
听着那张唱片，完全可以在脑海中想想这个喜爱穿着花连衣裙演奏的大提琴女神演奏时的“似已不在凡间”的神情，而全体乐手在和她进行灵魂的交流时又被她天才的洞察力和直觉所催眠。”

那真是一种无与伦比的美，珍贵，却易逝。在这首作品里，她预言了自己的一生，为自己如流星般短暂而闪亮的一生留下了永恒的安魂曲。她的埃尔加，无法超越，却不忍一听。

1973年，由于癌症，手指失去直觉，杜普蕾万般无奈的停止了只有短短十年的演出生涯。全世界乐迷除了深深的悲痛和遗憾，还能作什么呢？1987年，上帝不忍她在人间继续受苦，将她召回了天国。

也许她在天上还会继续拉琴——一定会的，也许上帝此刻就陶醉其中呢！葬礼那天，喜爱她的人们用鲜花铺满了十几公里的路为她送行。

三个月后，在纽约卡内基音乐厅为她举行的专场纪念音乐会上，祖宾·梅塔大师指挥到一半就泪如雨下，演出无法继续，整个音乐厅沉浸在深深的悲伤气氛中。

大师甚至宣布，为纪念杜普蕾，他以后不再指挥埃尔加：
“不堪回首的第一主题又在我耳边响起，那是杜普蕾拉给自己的宿命之歌。
为什么是这首曲子？为什么是杜普蕾？音乐就是这样，它会锁住你的记忆，哀恸时让你不能自拔……”
爱

什么就死在什么上。我记得，这句话是老舍先生说的。

杜普蕾·极度悲伤之《jacqueline's Tear》·杰奎琳的眼泪

——这首Offenbach所谱《Jacqueline's tear》并且亲自由杜普蕾来演奏的曲子是这位大提琴奇女的真实一生。

那突如其来的弦音直击心房
沉淀已久的弦音释放出的能量
让人窒息让人潸然

如生命中所有的不可预料眼泪随同Jacqueline的一生

慢慢滑落

Jacqueline du Pre的演奏生涯是绚烂的
犹如烟花绚烂的生命

Jacqueline du Pre的人生也是寂寞的

犹如烟花独自美丽的寂寞

“It will give you the world,

but you must give it yourself.”

用自己的一切换取整个世界

用全部的生命换取短暂的绚烂

如烟花般美丽的Jacqueline在静谧中归于虚无
在璀璨中遗留凄美注定了

她比烟花更寂寞!

古老唱机在泛黄的电影片断中
旋转出沉淀已久的弦音

忧伤由淡转浓弥散了

一抹斜阳投射在咖啡杯上

眼泪沿着银制的雕花匙勺
与一位天才演奏家的演奏生涯一起滚落

埃尔加的F小调德沃夏克的B小调
与生命中的千曲百折遥遥呼应
刹那间侵入心坎

摇曳出满室空灵的月色淹没苍白的黑夜

琴弓在半空抛出一截凄美的弧线
找不到共鸣
无可挽回的手势从此成为寂寞的人胸口永远的痛

把窗打开把灯拧灭
光影下的杜普蕾紧抱赤裸的大提琴
迎风而来逆风而去
在琴弦的叫嚣中散失一地曲谱

有人轻轻拾起跌进尘埃的一粒音符
任其在掌心开出彼岸的花儿
让年华的芬芳慰籍一个曾经无比寂寞的音乐灵魂

......................................

抬眼烟花，垂首泪痕

《Jacqueline's tear》

卸去《她比烟花更寂寞》中的喧嚣

这首Offenbach所谱的《Jacqueline's tear》

由jacqueline du Pre亲自来演奏的曲子

催人泪下的琴声中

乐魂翩然远逝的黯色

独舞依稀仿佛近在眼前

……..

当年史塔克的一语成谶

道出了像这样演奏肯定活不长的言论

是啊

也许只有顶尖的艺术家

才能理解自己顶尖同行的水准

杜普蕾是在用生命演奏

可以不惜一切只为琴艺的完美

如今jacqueline du Pre留下的琴为马友友所有

虽然音色如此熟悉

但是

他却拉不出杜普雷那种强烈悲怆和深邃的旋律

一盏灯，一杯咖啡，伴着这低沉舒缓而凄婉浑厚的旋律，缓缓地流淌在这夜色迷离的静夜里。潇潇的雨夜，敲窗而至，那分明是从天宇深处飘落的泪滴。融化在这妩媚沧桑，低婉的琴弦里，拨皱了心池，让紧握心底的灵魂蠕动，爬起，抖落红尘。舞动淡漠凄婉的羽翅，追逐着这颤动的心弦，忧郁而华丽的飘飞之上，匿入着流动的苍郁之中。

一直都很喜欢大提琴音乐，它音色醇厚，宽广而温暖，它对忧伤独特的表现，更是其他乐器所不能比拟的。还记得第一次被大提琴的音色所打动，就是这首---杰奎林之泪。如果作曲家没有对生与死极大的领悟，他是写不出这样感人至深又富有哲理的作品。几年过去了，再次听起这首曲子，依然是如此的动人，改变的是我对作品的理解，不变的依旧是那份钟爱。

音乐引导我走向寂静的小路，漫天是秋天的凉意，树梢还有金黄的树叶飘落，这便是这首曲子为我们最初营造的怀旧的氛围，这浪漫优美的旋律让我陷入深深的回忆。回忆是痛苦的，尽管往事已被岁月尘封，可在成长的岁月里，我们不知留下多少遗憾。有人说杜普蕾是为了大提琴而生的，也有人说，这首曲子经过杜普蕾的演奏，显得那么细腻而又没有放纵的感觉。大提琴和杜普蕾的演唱，一唱一合，互诉衷肠，那么具有感染力。

她全身心的投入，散发着一种激情慷慨而又包含悲凉的气质，她不是用乐器在拉，她的音是从灵魂深处走出来的。没有杜普蕾这部作品不会如此出名。她用无限夸张的肢体语言演奏出如泣如诉的天籁。我眼睁的看着这首乐曲被裹挟而去，也许她是为此曲而生，无可替代的，无可挽回的弦音断绝。

这座城市早以深深陷溺在梦境的旋涡中，只有我还独自伫立在窗前，久久凝视满街的灯光。一切的音乐，一股风暴在我的内心席卷而过，这首乐曲的魅力折磨的我难以入睡，想起一个人，多么的渺小，多么的无力，生活又是多么无奈。

感谢上苍你对我的仁慈，感谢上苍让我聆听到这样的音乐

缠绵往事http://music.onegreen.net/Article_Show.asp?ArticleID=378

被誉为乐器美男子的大提琴，在缠绵往事中深沉流露出那份凹凸的情感，听着听着，禁不住随音乐丝丝的潮湿而疼痛，温婉的深情，缱绻绵延，此时此刻文字已显得苍白而无力。

听了一晚上，提琴的声音那么悠扬，开始心都飘扬起来了，反复听着，音乐渐渐渗入心底，好像在撕扯隐藏在内心深处的伤痛，竟然莫明的伤感起来，揪心的难过却不知道为了谁．．．．．．

往事如烟——那是试图追忆时；往事并不如烟——那是以为忘记时。这大提琴流淌出的旋律，似烟非烟，从心上飘过，让往事的尘埃一一落定。

一直喜欢大提琴的音色，宽厚、包容、温暖。

大提琴弦弓在不动声色地拉动着，极有节制地拉出了一条缓缓流动的含蓄而凝重的心河。一条柔而韧的心河。在这心河里，流淌着不为人知的缠绵回忆，漫溢着经时光沉淀过的远久而浓郁的诗意。你眼前显现的，是那个被往事包裹的人，神情悠远。她那延伸出去的忧郁眼神里，看到的是过往岁月里心与心的彼此交缠，是灵魂与灵魂的相互镂刻，是太多太多的温暖在往事里重重叠叠。窗外，早已经是树木凋零的深秋，而回忆却是她心里一朵永远不败的时光之花，是她生命精华的浓缩，是如水的夜色里，她永远凝望的一盏心灯。
　　是初相识时的惊喜，是心心相印的欣喜，是难舍难分的哀愁，是袅绕心底不绝于缕的馨香，是今生放手的痛，是来世相守的等。爱就是酸甜苦辣，就是所有的滋味，就是巅峰与谷底，就是生与死，也是平静年月里执着的关注。
　　“无论你离我多么遥远，我依然能看见你/ 无论你离我多么遥远，你依然存在──/ 像一种永远不会消亡的存在，/像我的人生的景观。 /哪怕我从来不曾在你的岸边休息，/ 我也知道你的宽阔和漫长，/ 就好像每一个甜蜜的梦都是洪水，/ 都将使我搁浅在你孤寂的岸滩。”
　　如果说这是莎乐美对伏尔加河的依恋，女人对男人的依恋，又何尝不是如此的细腻绵长。男人就像一条河，一条或深沉或奔腾的河，有平静沉默的时刻，也有沸腾咆哮的时候。而女人，更多的象是一条涓涓溪流，时常难以把握自己的方向，但一旦注入某条河流，忘我的溶入便是她的命运。
　　在英年早逝的大提琴天才杰奎琳.杜普蕾的演绎下，缠绵的往事已超越了悲欢离合的恩恩怨怨，只剩下了岁月静好的怀念与眷恋。虽然仍是黯然，却慑人心魄。。。。。。

凄婉绝美的大提琴曲《殇》 mp3

http://laire1979.blog.hexun.com/23790328_d.html

昨夜寒蛩不住鸣。惊回千里梦，已三更。
起来独自绕阶行。人悄悄，帘外月胧明。
白首为功名。旧山松竹老，阻归程。
欲将心事付瑶琴。知音少，弦断有谁听。

倩女幽魂插曲大提琴曲《殇》,也有不少人称之为《光影》,凄美的忧伤，令人灵魂无法窒息..... 幽幽的提琴声如低低的呜咽，诉尽离愁别恨。附和着风的声音久久回荡在夜里在心间。仿佛可以看见你抑郁眼神望断天涯茫茫归路，在眉下凝成一弯解不开的秋恨。所有的笑泪都幻化成凄美的花朵，深藏心间。岁月冲淡远去的背影，时光模糊熟悉的面容。但一种疼痛的感觉始终不能忘怀。

——题大提琴曲《殇》　

夜了墨黑迷离了方向
光若水般倾泄下来静静地为影儿导航
虽然没有温度
星星点点却能把通身照亮
你看光至影显
在光里轻舞于舞中飞扬
没了泪水却胸怀忧伤
没有体温仍心存热望
愿每一个夜幕陈铺的时候
光影相投

共舞同聆一曲《殇》
尽管冰凉如水
却也是一种相守
哪怕沉寂静默
也有未泯的思量
休管那休管那东方吐白的时候
你去了何方
深的哀怨浓的情殇
会在下个夜的光与影中奏响

关于《殇》

那双眼睛，幕启是深情，幕落是纯粹，脉脉顾盼，诉说着浮华背后的纯与真；

那双眼睛，面对的是挚爱，轻启的是心扉，深深凝望，牵动着美丽尘世的梦与魂。

如果我们生存的冷酷世界依然迷雾重重，至少还有你晶亮的眼眸可以点亮霓虹。见过你的美，我还能爱谁?

这首曲子是杜普蕾的《光影》，中文名字又叫殇，被电视剧《倩女幽魂》收录为插曲。

大提琴是弓弦乐器中的低音乐器，它的音色具有人声的歌唱美大提琴的高音区开朗、壮丽，有如男高音的气质，

中音区丰满、坚实，低音区是浑厚、深沉。

大提琴低音部分的浑厚深沉，更震撼于它的哀和死。

不少人称之为《光影》，斑驳的光影透着深刻的孤独，朦胧的虚幻编织着美丽与哀愁的梦。

这样的曲子其实是适合在夜深人静时一个人静静地聆听的。

有些事情，反复回荡。

虽置之不理，却铭刻于心。

措手不及的东西，给人总是最深刻的伤痕！

去年也是春季，听这首杜普蕾大提琴而惋叹，尤怜世间红颜薄命。

每当黯然神伤时让心歇息片刻，或许两三天沉浸在一首乐曲，象波浪拍打岸边的岩石。

兰泽幽魂，澹澹华生。上苍赐予高贵的核。

清风拂过山林，泪光里映出幽雅的翼影，傲游在天。

大提琴曲《殇》

感伤的旋律，柔柔轻拨，

是心痛的驿动，是心愁的缓泻

大提琴是弓弦乐器中的低音乐器，

它的音色具有人声的歌唱美．

大提琴的高音区开朗、壮丽，

有如男高音的气质，

中音区丰满、坚实，低音区是浑厚、深沉。

特别喜欢大提琴低音部分的浑厚深沉，

更震撼于它的哀和死．

在零星清脆的竖琴伴奏下，

大提琴如泣如诉感伤的旋律令人唏嘘，

弥漫的哀怨、凄婉的倾诉，感觉人生有太多的无奈，

太多的悲欢离合了。

《倩女幽魂》中的另一首大提琴曲：《新月》

埃尔加的大提琴协奏曲是作曲家1919年的产物，也是埃尔加最后一部大型作品，这部协奏曲其实与埃尔加两首交响曲一样，均属后期浪漫时代的雄伟巨作，堪称埃尔加晚年最佳的作品。这是一首挽歌式的作品，紧凑、简练带有幻灭的性质，这部诞生在第一次世界大战之后的作品，仿佛是在怀念往昔英帝国的辉煌，但其中的个人风味又相当浓郁，优雅旋律绕梁三日。其以抒情风味开端的旋律之美，在尤其喜爱长式乐句的埃尔加作品中亦属罕见。这部大提琴协奏曲实际上足可与德沃夏克的b小调大提琴协奏曲并列为同类作品中最伟大的必传之作，现在它已经在大提琴曲目中占据了牢不可破的地位，成为埃尔加具有代表性的标志。埃尔加对管弦乐队的深刻洞察在此曲中也表现得非常明显，他使用了配制整齐的大型乐队，但所写的协奏声部却极其精简，这使得独奏大提琴相对来说容易突出。全曲共四个乐章，第一乐章的开头是一个平静、悠长的曲调，仿佛是秋雾和落叶的音乐，然后大提琴进人演奏一个踌躇的、沉思性的主题，好象在经历一个甜美的梦境；第二乐章比较活泼，大提琴有许多精巧的变化，第三乐章则是一个浪漫优美的歌谣风格乐章，最后的一个乐章最富有变化，独奏大提琴有华丽的技巧发挥。在这部作品中，埃尔加将整个乐团当作背景来运用，充分突出大提琴音量大的特征，作为一位配器大师，这部作品是展示埃尔加精湛技艺的一个令人难忘的范例。

这个曲目是埃尔加在协奏曲领域的最高成就，而杜普蕾变幻多彩的音色更为这部作品增加了魅力，她的演奏充满了自由的想象和惆怅的情怀，在第一乐章和第三乐章的深长的呼吸中，没有一个大提琴家能比得上她的那种情感投人，同时，她还传达出一种特殊的沉思意味。EMI的这个版本是她对这一曲目的最佳演录。另外，杜普蕾在1970年费城的现场演出录音也极其精彩，仍然透出她对作品精髓的杰出把握。

第一乐章，悠长的曲调开头是悲歌主题，一直在脑海里挥之不去：“引导我走向那条寂静的小路，满天是秋天的凉意，树梢还不时还有金黄的树叶飘落，怀旧的感触油然而生……”这便是埃尔加为我们在最初营造的最初的怀旧氛围；快到中段的时候，曲风一转，似乎带我们进入了一个梦境：沉思着却绝对是安静的，不被人打扰；第二乐章以连续几个拨弦伊始，颇有点竖琴的味道，延续着那种梦幻般的色彩。继而我们可以明显感觉到大提琴作为独奏乐器，时而和乐队进行着对话，时而又融入其中，俏皮、精巧，活泼、跳跃，又不失回忆的凝重，我陷入了深深的回忆——回忆是痛苦的。尽管往事已被岁月尘封，在成长的岁月里，不知留下了多少遗憾的过去。

第三乐章是一个浪漫优美的歌谣风格的乐章，大提琴的音色听起来像是在哭泣，每当听到这首曲子的慢板乐章，心总会被撕成碎片……充满了自由的想象和惆怅的情怀，让人幽幽的是无可掩饰青春的褪色，唏嘘感叹中好日子已经远去。仿佛在述说着人生的苍凉和无奈，让人们反省着对生与死的观念，这优雅的旋律足以绕梁三日。

第四乐章的感情起伏较大，时而振奋，时而低吟，时而深呼吸，时而跳跃，总体上恢复了庄严肃穆的主题。独奏大提琴向我们展示了华丽的技巧，而管弦乐队坚强有力、富有激情的烘托更使整个音场宽广宏大。最后在对贯穿整部作品的那首忧郁的英国民谣的重复中结束。

整支曲子情感起伏很大，真挚，同时又充满哲思，理性与感性的平衡很难掌握，因此演来难度颇大。说起这支曲子的最佳演绎，不能不想到杜普蕾，只有杜普雷版本才被人们认为是真情演绎埃尔加心灵的化身。
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在这张唱片里，杜普蕾也用尽了一生的才华，演绎了这首千古绝唱！当初在选择唱片的时候，我毫不犹豫地把它列为此曲目的首选，杜普蕾是全身心投入，甚至有些奋不顾身！既充满朝气，又不失女性的细腻表情，但并不是没有节制的放纵自己情感，显得颇有大度。实际上听她的演奏，那些所有的技巧、音色，音准等在其巨大感染力面前，消失的无影无踪。从录音上说，这张唱片可以说是EMI公司录音的最高成就之一。大提琴质感非常好，音色超卓，泛音很美，再加上巴比罗利的坚强有力地指挥，富有激情的烘托，使整个音场宽广宏大，与杜普蕾一唱一和，互诉衷肠，极具感染力。

这张唱片是爱乐者几乎人手一张的名盘。既列入TAS榜，又是企鹅三星带花，也就是说这是难得的演录俱佳的唱片。评说这张唱片的人和文章太多了，但我仍迫不及待地想说上几句，因为我太喜欢这张唱片了。

这支曲子是埃尔加献给去世的妻子的，也是作曲家毕一生之力创作的最后的大型管弦乐作品，可以说是爱尔加献给妻子的安魂曲和自己的“天鹅之歌”。整支曲子情感起伏很大，真挚，同时又充满哲思，理性与感性的平衡很难掌握，因此演来难度颇大。在这张唱片里，杜普蕾也用尽了一生的才华，演绎了这首千古绝唱。我几乎毫不犹豫地把它列为此曲目的首选。我曾经听过这支曲子的很多版本，卡萨尔斯在EMI的版本，琴声质朴，文化底蕴深厚，但却有些暮气，罗斯特洛波维奇在 EMI的录音, 压抑又充满激情，但却极富夸张，马友友在CBS的版本，抒情，优美，但却有些贵族气，不是特别投入，只有杜普蕾是全身心投入，甚至有些奋不顾身，既充满朝气，又不是女性的细腻表情，但并不是没有节制的放纵自己情感，显得颇有大度。实际上听她的演奏，那些所有的技巧、音色，音准等在其巨大感染力面前，消失的无影无踪。从录音上说，这张唱片可以说是EMI公司录音的最高成就之一。大提琴质感非常好，音色超卓，泛音很美，再加上巴比罗利的坚强有力，富有激情的烘托，使整个音场宽广宏大。在慢板乐章中与杜普蕾一唱一和，互诉衷肠，极具感染力。另外这张唱片中还有英国著名歌唱家贝克演唱的“海景”，同样是精彩万分的演绎。值得我们注意的是这张唱片的封套，一般来说，几大唱片公司非常注重自己的企业形象标志，像DG的黄色，DECCA的蓝色，而“EMI”则是以红色为基调的。但是这张唱片却出人意料的是以白色为基调的，我想这同样是唱片公司的一种深意蕴含其中。不能忽视的是EMI公司的正价盘，与同一唱片的中价盘，廉价盘，差距非常大，这张唱片曾分别以不同的面目出现过。我曾经把它与杜普蕾的双张精选（中价）及杜普蕾六张全集（廉价）的同一曲目版本比较过，中价盘和廉价盘的声音差了许多，特别是大提琴温暖的音色失去了光泽，显得发暗，那些注重录音品质的发烧友，不可不察。因为这张唱片缘故使我喜欢上了杜普蕾和她的唱片。

有文章说，勃伦波依姆背叛了杜普蕾，至今英国人也没有原谅他。但不管怎么说，在他们二人一起录制的大量的唱片中，不乏精品。其中最为精彩的是那张勃拉姆斯的大提琴奏鸣曲（EMI），同样是琴瑟和鸣，抒情之作。还有一张杜普蕾演绎的肖邦的大提琴奏鸣曲，几乎是同一曲目的首选。在听了许多杜普蕾的唱片以后，老实说，她演绎的德沃夏克和海顿大提琴协奏曲便不能使我满意，与我心目中的最佳版本有着距离，我更喜欢罗斯特洛波维奇的德沃夏克和马友友的海顿。但是我仍收藏了她的不少唱片，不是为了版本比较，更多的是让我知道，一个人的火热生命，青春及过早的消逝。从她1973年患病以后，停止演奏到她1987年10月 19日去世，她只活了42岁，而艺术生命才28岁，正是丰华正茂的时期呵！我不能想象如果杜普蕾现在还活着，她会带给我们什么样的惊奇.....

Membre(s) du groupe:
Benoit Loiselle
François Zeitouni
Instrument: cello and piano

Robert Schumann - Fantaisiestücke, opus 73 - I
Robert Schumann - Fantaisiestücke, opus 73 - II
Robert Schumann - Fantaisiestücke, opus 73 - III

Gao